Très intéressant angle d'approche des préludes de Bach que celui choisi par la jeune Edna Stern sur cet album paru l'an dernier. A l'opposé des reconstitutions historiques dont foisonnent les dernières décennies, la pianiste a choisi d'utiliser au maximum les possibilités orchestrales de son instrument pour nous faire écouter préludes, fugues et chorals sous un jour nouveau. Cette approche est radicalisée par le choix d'une prise de son "dans le piano", donnant parfois la sensation d'écouter un orgue, ample, charnu. En résulte ce choral, qui ouvre le disque, étonnamment chantant et aux graves vertigineux.

Cette chanson est un écho "moderne" au "Dis, quand reviendras-tu ?" de Barbara. Et s'il on ne sait à quelle statue comparer le jeune (25 ans lors de la sortie de l'album en 2006) Babx, entre la longue dame brune pour l'univers, Brel pour les élans, ou Ferré pour l'élocution, on peut toujours s'attarder sur la façon moderne et pourtant libre dont ce chanteur s'empare de thèmes qui ont hanté ses illustres prédécesseurs.

Parfois, je me demande si les années 70 nous paraitraient aussi intéressantes si elles n'avaient été suivies d'un abyssal trou noir musical, que ne regrettent guère que quelques trentenaires-sur-le-tard émus de se remémorer leurs boums au son de Début de Soirée ou David et Jonathan.
Mais force est constater que même avec une recette aussi niaise que celle d'Abba, on trouve encore dans les années 70 ce qui va disparaître ensuite : des ingrédients de qualité. Bon d'accord, les paroles sont en toc, les costumes ringards (c'est-à-dire à la mode, du point de vue de l'époque), mais je ne parle pas de ces détails, non, je veux parler de la musique, et des arrangements !
J'avoue avoir un faible pour "Thank You for the Music", en particulier pour sa mélodie et son harmonie. J'ai donc craqué pour cette version, qui n'en garde guère plus que cela, avec juste un zeste de swing en plus. Le bon goût total. A savourer sans modération.

Les lieder de Schubert sont innombrables, et j'avoue ne pas savoir très bien par où commencer. Mais celui que j'aimerais faire découvrir aujourd'hui a une petite particularité : sous son harmonie typiquement schubertienne, il émane un souvenir de Mozart, comme si le Viennois citait la sérénade d'un opéra de son aîné salzbourgeois (rappelons que la sérénade, par opposition à l'aubade, se joue le soir, et que ce poème de Goethe s'intitule "A la lune"). Il en résulte un chant de toute beauté, à la fois noble et lyrique comme savait en concocter Mozart, et teint d'un léger voile mélancolique, comme sait si bien le faire Schubert. Et ici, Christoph Prégardien, schubertien moins connu que son aîné Dietrich Fischer-Dieskau, mais pas moins connaisseur (il a participé à la Neue Schubert Ausgabe, avec son comparse Andreas Staier), est remarquable dans la conduite de son chant comme dans l'évocation de cette mélancolie.

Devoir de marketing : vous dirigez une importante maison de disque, et abritez dans votre écurie un chanteur très doué, très vendeur, mais qui met dix ans à composer un album. Comment optimiser votre placement ?
Réponse : commandez-lui un album de reprises, afin de lui donner l'occasion de présenter au public ses chansons préférées. Évidemment, comme l'individu est perfectionniste, il lui faudra malgré tout plus de temps pour peaufiner l'arrangement d'une seule chanson qu'à un obscur scribouilleur pour composer l'album complet du dernier gagnant de la Star Ac'. Mais à l'écoute de l'album "facile" que vous aviez commandé à votre nonchalant protégé, vous oublierez très vite les juteuses ventes qui en découleront pour ne plus admirer que l'évidence de chacune de ses chansons.

L'une des rares chansons en anglais que je peux chanter de mémoire. C'est dire si je l'aime. Je l'avais découverte dans le film comédie musicale de Woody Allen, "Tout le monde dit I Love You" ; elle y était entonnée à deux reprises, par le réalisateur lui-même d'une part, et par celle qui joue son ex-femme, Goldie Hawn.
La voici dans une de ses versions les plus réussies, interprétée par un Nat King Cole première période, lorsqu'il se produisait en trio, avant de prendre son envol pour une carrière beaucoup plus "crooner", avec arrangements orchestraux sirupeux à la clé. J'adore particulièrement la façon dont il entonne le "with deep emotion, devotion to you".
On utilisera cette chanson pour ses vertus empathiques, sinon curatives, en toute occasion de légère dépression liée à la récente désaffection de la part de l'être aimé, ou même seulement désiré, et ce quelque soit la forme prise par cette désaffection (rupture violente, larguage par SMS, désintérêt progressif en faveur d'un tiers…).

S'il était à douter que chaque époque a ses tics, cette chanson nous en apporte la preuve : même sans l'avoir jamais écoutée, elle en rappelle cent autres de la même époque. Et puis, il y a ce mélange de commisération et d'increvable optimisme, très semblable à l'histoire du "Kid" de Chaplin, film contemporain de cette chanson qui retentit pour la première fois en 1924 grâce à un certain Hector Pellerin. Ici, ce sont les Frères Jacques qui la font revivre en y incorporant une cuillérée de second degré. Allez j'avoue, cette chanson m'a tiré une petite larme la première fois que je l'ai écoutée.

Nostalgie ? Pression d'une maison de disques avide ? de stars lyriques désoeuvrées ? du fisc ? On ne sait pas vraiment ce qui a poussé Leonard Bernstein, compositeur à l'origine d'une des meilleures comédies musicales que le cinéma américain ait produites (ceci n'est pas une hyperbole), à remettre son ouvrage sur le métier dans les années 80. Ou plutôt, on ignore ce qui l'a poussé à le confier au métier de stars de l'opéra telles que Kiri Te Kanawa ou Placido Domingo, assez peu en phase avec les personnages qu'ils sont censés incarner (traduire : dont on ne peut se délecter que du ridicule). Il y a pourtant une pépite dans cet inutilement fastueux enregistrement studio, et on le doit aux seconds couteaux (hormis Bernstein bien sûr). La scène dans le film est jouissive (mais en cela elle ne fait pas vraiment exception par rapport aux autres) et assez visuelle : il s'agit pour la bande des Jets de mimer les différents représentants de la société auxquels ils ont affaire (policier, juge, travailleur social, psychanalyste). L'aspect théâtral de cette scène est remarquablement bien rendu dans cette version conçue pour le disque. Ecoutez les paroles de Stephen Sondheim, brillantes, et le rythme auquel s'enchaîne les imitations.

[D'aucuns trouveraient suspecte l'entrée d'Enrico Macias sur ce site l'année consécutive à à la victoire de qui-l'on-sait ; elle n'est pourtant que concomitante].
Sur un forum musical, quelqu'un avait un jour posé la question : quel est votre premier disque ? Certes, il aurait été plutôt classe de me voir répondre le "Concerto no.21 de Mozart par Perahia", et même si la réponse n'aurait pas été totalement fausse, puisqu'il s'agit effectivement de mon premier disque classique, ce n'est pas cela. En réalité, le premier disque que j'ai écouté, c'est celui qui accompagnait le tourne-disques offert à ma petite personne (de 33 mois âgée) en décembre 1979, et c'était un disque de Chantal Goya qui contenait, notamment "Bécassine". Mais bon, là non plus ce n'est pas très original, et c'est pourquoi je préfère évoquer le deuxième disque qui me fut offert... Ma mère ayant ressorti dernièrement tous les vinyles qui ont bercé mon enfance, j'ai pu redécouvrir ce titre, qui, quoique qu'un peu risible (surtout les deux dernières notes), n'est pas aussi mal fichu que ce que les déformations de ma mémoire me laissaient supposer ! Et je comprends soudain mieux pourquoi le microsillon est si usé...

Le printemps est revenu, au moins à temps partiel. C'est l'époque du renouveau, où le végétal, qui semblait avoir succombé à l'hiver, démontre sa résilience. Et, même au travers d'un prisme religieux, c'est bien la résilience dont cet hymne chante la joie. A la façon inimitée de Schubert, bien sûr : l'épanchement est modeste, tout comme la formation à laquelle il se destine. Même à quatre pupitres, le chœur de chambre semble entonner à l'unisson, la discrétion des contre-chants est d'une ultime élégance.

Des bois, des cuivres et une caisse claire : ce sont les ingrédients de ce très spirituel arrangement. Jeanne Cherhal, dans la très aquatique chaleur de son dernier album, L'eau, a eu du nez en faisant appel à Fred Pallem pour mettre au point la sauce musicale de ce conte d'une boulimique. La symbiose entre texte et musique est brillante.

A noter que Fred Pallem et son groupe le Sacre du Tympan sort un disque entier d'arrangements de chansons autour de chanteurs invités. L'album se nomme "La Grande ouverture" et sera dans les bacs le 30 mars... Ci-dessous le dos du boîtier avec un alléchant programme :

L'explication est dans le dernier couplet.

J'avais déjà publié un extrait de Don Giovanni sur ce site, détaillant en quoi la scène finale d'un opéra m'avait fait adopter le genre entier. Mais je n'avais jamais, si ce n'est peut-être une vague émotion ressentie à la vision du film de Joseph Losey, vibré à la sincérité de cette aria dépouillée. Il faut dire que Kenneth Tarver entre dans la catégorie, de moins en moins rare, il faut s'en réjouir, des ténors ayant du goût. Et puis, il y a cette harmonie Mozartienne, qui commence dans la plus désarmante simplicité, et qui éclot en une harmonie luxuriante qui module à chaque temps. La petite cadence finale, que le chanteur entonne là où s'attend à le voir conclure, est orgamisque.

Cette chanson est magnifique, mais elle devient carrément poignante lorsqu'on en connaît l'origine : en 1991, Eric Clapton subit la mort de son fils, Conor, alors âgé de quatre ans. C'est cette perte qui inspirera au chanteur ces paroles. Voici la version de la chanson captée un an plus tard, sur une chaîne qui avait pourtant bien démarré, lors de la série d'émissions "MTV Unplugged" ("Débranché", c'est-à-dire uniquement avec des instruments acoustiques).

Je suis un peu fleur bleue… avec les chansons. Après les roses et les promesses de Benjamin Biolay, l'invitation au château de Francis Poulenc, l'été 2000 de Matthieu Boogaerts et le soleil de Françoise Hardy, j'ai l'honneur de vous présenter ma dernière obsession, qui sied à merveille à cette fin d'été 2007 : La perdue. Bertrand Belin, que j'avais aperçu en guitariste de Bénabar, a sorti son premier album en 2005. On peut qualifier son univers de doux, mélancolique, et minimaliste, et ce n'est pas son second album sorti cette année qui changera la donne ; mais pour ses arrangements un peu plus riches il a ma préférence. Et puis, il abrite cette chanson…

Ce doit être les vacances, ou l'été -- mais j'ai envie de trucs cools et ensoleillés. Et question coolitude, les "Ukulele Beatles" atteignent le Mont Fujiyama. Leur formation instrumentale, alliée à l'une des plus belles mélodies que les Beatles (originaux) aient composée, est responsable de ce petit moment de bonheur.

Note aux acheteurs intéressés : aucun magasin Amazon autre que le japonais ne vend ce disque. Par conséquent, le lien indiqué en référence (qui pointe vers le magasin français) ne fonctionne pas. Pour aller acheter le disque chez amazon.co.jp, cliquez ici).

Cette chanson, avec son titre castatrophiste, vient comme un avertissement. Mais un avertissement relativiste à l'adresse du trentenaire tenté de diffuser par toutes les ondes l'objet de son malheur. Certes, on a "des regrets", "des soupirs", certes "nous voulions tous de toi", mais "qui n'en a pas" : on a tous "des souvenirs", et "il y a un temps pour les sortir", et "un temps où ils sont froids".
Voici pour le moins des propos inhabituels de la part d'un chanteur, puisqu'il conjure son interlocutrice de garder ses états d'âme pour elles, les reléguant au lot commun et banal des petits soucis de la vie. En somme, un message très psychothérapiqement incorrect, et semble-t-il complètement ignoré par les autres chanteurs de cette rubrique.

Si les propos de Stéphan Eicher soulèvent une certaine interrogation, on pourrait mieux les comprendre après avoir écouté son compatriote Jérémie Kisling. Ce dernier semble avoir touché le fond en même temps que sa trentième bougie. La trentaine, c'est l'heure où on "déplume ses ailes", l'époque des "régimes sans sel". On est à dix ans de "partir les pieds devant". D'aucuns trouveront ces propos un poil excessifs, soulevant une réaction similaire à celle de Stephan Eicher.
Mais que l'on se rassure : Jérémie Kisling semble avoir bel et bien surmonté sa dépression, puisque deux ans plus tard, il sortait un nouvel album léger et définitivement ancré dans la vie (la preuve ici et ici).

Bénabar a la déprime plus soft. Et une technique différente pour manifester son malaise : s'en prendre aux autres. Leur reprocher de fêter de son anniversaire. Râler contre les huîtres à ouvrir, contre les praires pas fraîches, contre le sable dans les chaussures, contre la météo, contre le temps qui passe. Même si tout revient à ce refrain de l'impuissance : "et le temps passe, d'hier en demain, ça me tragique, ça me cruel, mais j'y peux rien". Que l'on se rassure à nouveau, cette chanson démarrait l'album qui a fait connaître Bénabar, l'érigeant même en icône de la nouvelle chanson française. Le chanteur, de source sûre, continue aujourd'hui à officier avec le même succès. Comme quoi la trentaine peut aussi être un début…

L'impuissance face au temps qui passe, Agnès Bihl semble la partager avec Bénabar. Avec ce cri très enfantin, mais que je trouve saisissant : "j'ai pas le temps d'avoir trente ans". La chanteuse fait cependant preuve de philosophie, en prenant un peu de recul par rapport à son "malheur". Si, dans un premier temps, elle se laisse aller à la mélancolie, option nostalgie, en feuilletant l'album photo de sa jeunesse, elle témoigne ensuite de ses impressions une fois abattu le couperet tant redouté : ce n'est finalement pas si terrible que ça. Et surtout, pourrait-on ajouter, c'est probablement moins terrible lorsqu'on s'est autorisé à geindre.

Michel Delpech est d'une autre génération, probablement moins narcissique, et c'est peut-être pour cela qu'il choisit d'évoquer la trentaine par le biais narratif. L'histoire n'en est pas moins terrible. Trente ans, c'est la fin d'une vie ; une vie devenue tellement insupportable qu'il faut y mettre fin. Pas par le suicide, mais par la fuite. On peut envisager ce récit comme une catharsis ; la tentation d'effacer d'un geste l'accumulation des souvenirs et des habitudes, qui témoignent d'un âge menaçant, pour se redonner la virginité d'un nouveau-né.

Vincent Delerm, lui, est de la même génération que Jérémie Kisling, mais il fait mine d'éluder l'évocation narcissique de sa trentaine, en parlant de celle de ses copines de classe. Son propos est finalement léger, et se limite à une nostalgie plutôt apaisée. Cela s'explique probablement par une personnalité plus orientée vers la contemplation que de l'action, qui lui évite le sentiment d'impuissance ressenti par d'autres.

Qu'offririez-vous à un ami pour ses trente ans ? Maxime Leforestier n'avait pas vraiment d'idée pour Julien Clerc, alors il lui a écrit cette chanson. Une chanson astucieusement nommée, puisqu'elle est réservée à ceux qui ont déjà fêté leur trentième anniversaire, et reste pertinente le reste de la vie. Comme les autres, elle dresse un bilan, fortement teinté de nostalgie, mais contrairement aux autres, elle le fait en sage. "Je suis content, bonsoir". La version que voici est interprétée par son compositeur même, enregistrée chez lui, et tirée des suppléments du DVD "Plutôt guitare".

Alain Souchon aime bien procéder ainsi : la musique est légère, les propos s'assombrissent à mesure qu'on les sonde. Ici, la trentaine trouve son symbole dans l'évolution d'une caractéristique physique : "l'élasticité du tissu".

Je ne pouvais me résoudre à finir ce petit parcours de chansons de trentenaires sur une note sombre, et c'est pourquoi j'ai gardé Yves Duteil pour la fin. On pourrait craindre que quelqu'un tenant des propos satisfaits sur un âge aussi bascule soit crispant. Mais il n'en est presque rien. Certes, tout le monde ne peut pas partager les raisons pour lesquelles il est heureux d'avoir trente ans : encore faut-il être amoureux, encore faut-il avoir des enfants. Mais il livre une piste universelle pour être content d'avoir trente ans : se dire qu'on a passé jusque-là une vie de merde. La recette semble être efficace, et faute de meilleur conseil, je vous laisse la tester à votre tour.

Durant sa vie, Mozart a concocté un certain nombre d'instants miraculeux ; j'en ai évoqué ou en évoquerai certains, mais pour aujourd'hui je me contenterai de citer celui-ci. Tout part d'une scène d'au revoir : deux couples se séparent (temporairement), et ne restent sur la rive que les deux femmes, Fiordiligi et Dorabella, accompagnées du vieil ami des deux hommes, Don Alfonso. Si les deux femmes sont sincères, Alfonso sait que ce départ n'est que factice. Mais tout le monde joue le jeu pour accompagner la barque qui s'éloigne du rivage. Et l'inspiration du librettiste semble avoir enflammé celle du compositeur : sur ce "suave soit le vent, tranquille soit l'onde...", flottent des cordes douces et paisibles, tandis que les trois chanteurs déploient chacun une ample ligne lyrique, aussi sublimes lorsqu'on les écoute ensemble que séparément.

La virtuosité en musique, ça frise toujours un peu la vulgarité : celle de voir l'interpréte montrer ses muscles en s'appuyant sur une oeuvre musicale devenue l'accessoire de la démonstration. Alors comment l'éviter ? D'une part en n'oubliant jamais que la musique prime, mais surtout en étant absolument irréprochable dans l'exercice de cette virtuosité. En voici un exemple assez stupéfiant.
Outre le jeune trompettiste russe (âgé de 17 ans lors de l'enregistrement), on saluera la prestation parfaite de l'accompagnateur (toujours derrière, mais toujours là).

Dans son genre, cette contribution québécoise à la chanson française est un modèle...

J'avais évoqué il y a quelques mois les concertos pour piano de Mozart, mais je viens de tomber en arrêt sur la prestation de Christian Zacharias dans l'un d'entre eux. Il s'agit du premier véritable concerto pour piano de Mozart, bien qu'il porte le numéro 5, et l'extrait que je vous propose n'a rien d'extraordinaire, a priori. D'abord parce que c'est un concerto de jeunesse, ensuite parce que Neville Marriner dirige mollement l'Orchestre Symphonique de la Radio de Stuttgart. Mais j'adore l'entrée du pianiste, qui vient littéralement faire honte à cette bande d'aimables amateurs : bondissant, plein de fougue et de jeunesse, il apporte une sève qui manquait jusque-là. On retrouve une fougue sensiblement identique dans un concerto plus tardif, mais dans le même ton de Ré majeur, le K.451 (aussi connu sous le numéro 16).

Le Parapluie, salle de la banlieue d'Aurillac et d'ordinaire dévolue à l'hébergement des compagnies de Théâtre de Rue en résidence, portait décidément bien son nom samedi, puisqu'il pleuvait des cordes. Ce n'était pourtant pas la faute des deux chanteurs qui s'y sont abrités.
En vedette, Stéphane Eicher se présente modestement et enchaîne nouvelles chansons et tubes des années 90. Au public parmi lesquels se trouvent d'évidents fans (dont je ne fais pas partie !), il demande de choisir la prochaine chanson : ce sera "Mille vies", que les musiciens ne connaissent pas. Pas vraiment un problème, Stephan démarre seul avec ses guitares, et en moins de cinq minutes, ses comparses jouent comme s'ils connaissaient la chanson par coeur ! Au nombre de trois, ils font preuve de capacités éclectiques, le pianiste donnant aussi de la guitare ou des percussions, le guitariste faisant aussi office de trompettiste, corniste, bassiste ou percussionniste, le batteur jouant à l'occasion du clavier. Les arrangements sont très orientés rock, mais teintés d'électronique. Alternant ballades et compositions plus pêchues, une chanson sur deux se termine en "apothéose" de décibels que je n'apprécie que modérément. Stéphane Eicher discute entre chaque chanson, dévoilant une personnalité assez naïve et très bon enfant. Il s'amuse de l'environnement de la salle (perdue au milieu des champs) et déclare être tombé amoureux d'une belle créature à la robe marron, aux longs cils et aux cornes effilées. Le classique "Déjeuner en paix", assez destructuré par rapport à l'original, antépénultième morceau du concert, fait place au dernier tube "Rendez-vous". En rappel, le groupe donne "La Goualante du pauvre Jean", que l'on avait déjà entendue interprêtée par le chanteur sur un disque-hommage à La Môme. C'est à mon goût la meilleure chanson du spectacle, mais il faut reconnaître que la musique de Stephan Eicher ne correspond pas forcément à mes goûts.