L'année 2006

C'est en écoutant hier une web-radio américaine que j'ai prêté attention, pour la première fois, à cette chanson de Serge Gainsbourg. Comme quoi je devrais faire attention plus souvent.

Ancien ou moderne ? Ainsi pourrait-on dénommer les deux camps qui se sont opposés depuis les années 80, dans le petit monde des amateurs de musique classique. Dans un tel contexte, on est sommé de faire un choix.

Les Anciens n'appellent pas les Modernes "modernes", mais "baroqueux", avec toute la dépréciation que peut porter le suffixe en "eux". Car ils le méritent, songez-donc : des maniaques qui frôlent la crise cardique à l'idée d'entendre Haendel avec un diapason à 440Hz !. Des rétrogrades qui préfèrent écouter l'aigre sonorité d'un pianoforte, plutôt que d'apprécier la classe d'un piano Steinway pour interpréter un concerto de Beethoven ! Des illuminés capables de s'extasier sur l'harmonie moyennâgeuse de Monteverdi ! Comble de l'hérésie, ces sombres individus ont fini par se mêler de "ré-interpréter" la vraie musique, celle du dix-neuvième !

Les Modernes n'appellent pas les Anciens "anciens", mais "vieux cons", usant à leur tour du suffixe en "eux", mais l'aggravant d'un substantif pour le moins éloquent. Que dire d'autre, en effet, d'individus qui trouvent normal d'utiliser le même orchestre pour donner Vivaldi et Richard Strauss ? Qui énoncent et accentuent la phrase haendlienne comme si Schumann les avait écrites. Et, comble de l'hérésie, d'individus capables ricaner d'un air entendu sur tout compositeur antérieur au dix-huitième siècle ?

J'avoue que je déteste le son du pianoforte, et que je déteste aussi la façon dont Karajan a dirigé les quatre saisons de Vivaldi. En revanche, j'avoue adorer l'ouverture des Noces de Figaro par Georg Solti dirigeant son gros London Symphony Orchestra, tout comme je jouis de l'ardeur dont fait montre René Jacobs dans le même morceau. Et d'ailleurs, ces deux enregistrements, malgré les camps dont ils proviennent, se ressemblent plus qu'il ne paraît. La preuve, on peut les mélanger. Alors, moderne ou ancien ?

(La tonalité des deux extraits a été corrigée de façon à pouvoir les mixer. La version de Solti a été abaissée d'un quart de ton, tandis que celle de Jacobs a été remontée d'un quart de ton. La vitesse de lecture a été proportionnellement modifiée : Solti joue un chouïa plus lentement qu'à l'origine, tandis que Jacobs joue un poil plus vite.)

Si Sean Lennon n'était pas le fils de, j'oserais faire remarquer que ce morceau débute comme un morceau des Beatles…
C'est très court, autant que l'album hélas, mais c'est étonnant : la voix fluette de ce grand gaillard qui se cache derrière sa barbe, d'abord, mais surtout les mélancoliques mélodies qui donnent un charme fou à la promenade que constitue cet album. Je le place d'emblée dans mes préférés de l'année.

Dans le genre "Mes potes et moi on aime la bière et les meufs" (même si dans cette chanson, première piste et donc introduction de l'album, on évoque surtout le cadre dans lequel vont se consommer la première et se discuter les secondes (et non l'inverse bien sûr)), dans le genre, disais-je donc, conversations de comptoir, voici une chanson que je trouve particulièrement accrocheuse. Si le groupe, qui n'en est pas à son premier album, bénéficiait d'un petit soutien médiatique (et on en est loin : Amazon n'a même pas le disque dans son catalogue !), nul doute que cette chanson pourrait se faire un petit succès.

En provenance du dernier album des Black Eyed Peas, que j'ai déjà cités ici, voici un tube très pop, mais qui porte malgré tout la marque d'excellence du groupe. Faire à la fois plus cool et énergique paraît impossible. Non seulement tout cela est virtuose, mais en plus on ne compte une seule mesure où le soufflé retombe. Très fort.

L'extrait que voici se rangerait au rayon classique, sous-rayon "easy listening" (à côté d'André Rieu, en fait). Ou plus noblement, on peut en qualifier la musique de "musique de salon", comme le suggère le nom du groupe qui l'interprète. Mais, du chef d'orchestre batave, ces musiciens ne se démarquent pas qu'au niveau du niveau du compte en banque : leur approche de la musique de salon est plus rigoureuse, plus systématique, et surtout beaucoup plus respectueuse. Là où l'un se permet de ré-arranger des valses de Strauss pourtant déjà écrites clés en main pour l'orchestre, le London Salon Ensemble part à la recherche des perles rares et autres délicieusetés oubliées, et les interprète avec autant de rigueur que s'il s'agissait du mainstream de la musique classique.
Ce morceau de 13 minutes est un "pot pourri", tel que l'a nommé son assembleur germanique, de 15 thèmes célèbres aux oreilles allemandes de la période pré-hitlérienne, thèmes qui nous sont à nous totalement inconnus, mais dont je subodore qu'ils auraient très bien pu faire des tubes si on les avait présentés à nos compatriotes. Bien qu'intitulé "promenade autour du monde", il s'agit surtout d'une petite ballade en quelques lieux d'Europe, mélangeant foxtrots, tangos, valses, paso dobles et polkas. Les extraits proviennent tous d'opérettes viennoises de la fin du dix-neuvième siècle.
La musique est facile, en ce sens qu'elle charme l'oreille et n'invente rien, à part des mélodies, elles-mêmes ultra-classiques. Mais dans ce cadre restreint, la volubilité de l’ensemble forme une sucrerie très bien dosée. Le groupe est d'une homogénéité, d'une rigueur et d'un chanté fabuleux, qui à force de bon goût atteint parfois le mauvais : à tant rechercher la joliesse des notes et de leurs inflexions, les paso dobles perdent leurs angles et par là même un peu d'énergie. Mais c'est un peu cela que l'on attend d'une musique de "salon". Alors, à moins de détester les desserts (tels les puristes du baroque*), cette pâtisserie abondante devrait assurer le plaisir de plus d'une oreille…
* Je me permets de préciser que, comme en témoigne un certain nombre d'extraits sur ce site, j'aime aussi la musique baroque.

Liste des extraits :
1. 0:00 Introduction
2. 0:33 Foxtrot lent - Meine süsse, kleine Freundin (Ludwig Schmidseder)
3. 1:33 Tango - Zigeunerblut (Will Meisel)
4. 2:58 Wiegendes Walzertempo - Ich sing' mein Lied heut' nur für Dich (Robert Stolz)
5. 3:42 Polka - Marie, Mara, Marie-Maruschkata (Herms Niel)
6. 4:24 Slow foxtrot - In der Nacht da gib acht! (Harold Böhmelt)
7. 5:04 Tango Serenade - Eine Serenade klingt bei Nacht durch Venedig so süss (Gerhard Mohr)
8. 6:02 Slow foxtrot - Die grosse Chance meines Lebens (Will Meisel)
9. 6:46 Paso doble - Komm doch ein Bisschen mit nach Madrid (Franz Doelle)
10. 7:31 Foxtrot - Ja, ja am Strande (Willy Engelberger)
11. 8:17 Tango - Wir wollen Freunde sein fürs ganze Leben (Will Meisel)
12. 9:55 Foxtrot - Heut' könnte ich die ganze Welt umarmen (Franz Doelle)
13. 10:39 Slow Waltz - Mein Herz ruft immer nur nach Dir, oh, Marita! (Robert Stolz)
14. 12:17 Paso doble - Wenn ein Torero verliebt ist (Eberhard Glombig)
15. 13:04 Coda

Lisa Ekdahl, vous la connaissez au moins pour la musique de la pub pour le parfum "Anaïs Anaïs" de Cacharel. Le titre s'intitulait "It's Oh So Quiet" (titre repris également par Bjork, avec tout l'emportement qu'on lui connaît).
Mais rien à voir ici. Du pur swing, avec le Peter Nordahl Trio, groupe associé (mais pas collé) à la chanteuse. Le morceau s'enfièvre au fur et à mesure, et atteint un densité swingesque, si je puis m'autoriser le néologisme, digne des plus grands (mention spéciale au pianiste). Quant aux propos de la chanson (que l'on doit à Billie Holiday), ils forment un gimmick ("It's got to be yes / Or No / It's either you stay / Or go / You can't leave me on / The shelf / You gotta to commit / Yourself") à la fois très drôle, astucieux, et correspondent tellement à la réalité. Tellement que je me les adresserais bien à moi-même plus souvent que je ne devrais.

C'est la journée Fats Waller sur ce site ! Avant d'aller découvrir une interprétation fidèle et brillante par mon pianiste préféré, de ce jazzman pianiste de la première heure, écoutons l'original, dans un moment à la fois suave et qui pourtant garde tout son dynamisme. On entend ici Fats Waller à la fois au piano, auquel il excellait, et au chant, de sa voix gouailleuse qui n'a pas dû être sans influence sur Louis Armstrong. Il est accompagné de son "Rhythm", nom donné au groupe qui l'accompagnait.
Cet enregistrement a de surcroît une particularité étonnante : vous pouvez en effet écouter un enregistrement datant du milieu des années 30 en stéréo ! Le son a certes subi les dommages du temps, mais les ingénieurs du son ont réussi a en tirer le meilleur parti et à proposer quelque chose qui, compte tenu de l'âge de la prise de son, se défend très bien.

Je parlais il y a quelques semaines d'un étonnant arrangement d'une sonate de Mozart, que j'avais eu l'occasion d'entendre en bis d'un concert de Martha Argerich et Nelson Freire. Il se trouve que vient de sortir fort à propos un enregistrement de cette œuvre, assez peu gravée il faut dire. Martha Argerich semble l'apprécier, puisque c'est encore elle que l'on peut entendre, cette fois-ci accompagnée du jeune Piotr Anderszewski. Il s'agit de la captation d'un concert donné au mois de juin 2005, dans le cadre du festival de Lugano, dont la pianiste n'est autre que la directrice artistique, et qui l'utilise pour faire partager à de jeunes artistes les joies de la musique de chambre.
Le premier piano reprend à la note près la sonate de Mozart, et Grieg a composé pour le second piano un arrangement très "romantisant", dont on ne peut pas dire qu'il doublonne ni n'éclaire la sonate de Mozart, mais plutôt qu'il lui donne une tout autre tournure. On peut même dire que Grieg "détourne" l'œuvre de Mozart (d'où certainement le peu de reprises de cette œuvres par des musiciens "sérieux"). Mais il a y a quelque chose de cocasse dans cette juxtaposition de deux styles musicaux, et il est amusant de voir comment, en ajoutant simplement des notes, on peut faire dire autre chose à une œuvre.

L'événement musical du moment, celui qui préoccupe et angoisse tous les foyers d'Europe de l'Atlantique à l'Oural, de l'Arctique à la Méditerranée, bref j'ai nommé l'Eurovision, m'a fait songer à ce titre, vite aimé mais vite oublié, qui avait égayé mon été 2001. Il n'a jamais fait l'Eurovision, mais il partage l'esprit des chansons gagnantes, en mieux fini. Et puisque ce mini-tube a cinq ans, nous allons prétendre que c'est pour cela que je le présente aujourd'hui. La raison officieuse, c'est qu'en le réécoutant, je me suis rendu compte que je me laissais toujours autant aguicher, cinq ans après, par cette chose un peu facile mais loin d'être dénuée de talent et de savoir-faire. Pour l'histoire, les "S Club 7" sont un groupe anglais, à l'origine dans une série qui mettait en scène sept jeunes apprentis chanteurs et chanteuses, qui veulent percer dans la pop et partent à la conquête de l'Amérique. La fiction a finalement rejoint la réalité (à moins que tout cela ne soit prévu d'avance ?), puisqu'ils ont enregistré plusieurs albums. Les curieux trop âgés pour regarder KD2A, ou trop jeunes pour avoir des enfants qui regardent cette émission, savent désormais quand les apercevoir à la télévision.

Je ne sais pas si ça s'est remarqué, mais j'aime bien la "variété" américaine, tous ces grands standards issus du jazz ou des musicals, que l'on doit à quelques songwriters désormais considérés comme classiques, repris par toutes les grandes voix du siècle. Mais tout le monde ne s'appelle pas Sinatra, Martin ou Fitzgerald. On compte aussi parmi ces voix qui ont soutenu le grand répertoire des semi-tâcherons, grouillots du grand classique, disposant généralement d'une voix plus que correcte, mais à la trajectoire et aux choix artistiques plus flous. Ainsi en va-t-il de Johnny Mathis, chanteur noir américain à la voix protéiforme et pourtant reconnaissable entre mille, qui connut ses heures les plus célèbres à la fin des années 50, et dont les interprétations vont du "mouais, bof" jusqu'au "pas mal du tout", généralement enrobées d'un kitsch que le temps qui passe rend presque sympathique. Je vous propose de découvrir le "pas mal du tout", et surtout le merveilleux timbre dont l'a injustement doté Mère Nature, dans une chanson extrêmement sucrée.

Can you beat it? Voici le morceau le plus groovy du monde ! Cet astucieux mariage entre un gros jazz band et la soul music (à équidistance du blues et du funk) me tire du lit tous les matins depuis une semaine… James Brown, le chanteur de Sex Machine pète une fois de plus les plombs (et révèle au passage la solidité de ses cordes vocales), mais avec un arrangement pareil, il a vraiment de quoi ! Tout l'album est génial.

Je dois la découverte de ce disque à Laurent Ruquier, à l'époque où il officiait sur France Inter (les fans de Rien à cirer peuvent d'ailleurs aller jeter un œil ici). Jean Yanne avait enregistré dans les années 60 des chansons insolentes, burlesques, anarchistes, dont celle-ci, qui joue surtout dans les registres absurdes et parodiques. L'acteur montre dans les différentes chansons des talents de comédien variés : ici on le trouve dans une succulente imitation du style Charles Aznavour !
(Sur le même disque, je conseille L'Enuque, Camille et Le Rock Coco !)

Afin de prolonger l'extrait que Karl Zéro nous avait fait découvrir il y a un an et demi, voici une curiosité que j'avais oublié de signaler l'an passé. Robert Mitchum, le dangereux prêcheur de La Nuit du chasseur avait un goût pour la calypso, musique caribéenne dont le reggae est un descendant ! Ecoutez donc le taciturne acteur se transformer en joyeux drille, dans la version anglaise de la chanson de Karl Zéro. J'ignore si l'animateur télé connaissait le disque de l'acteur (sorti de 40 ans d'oubli par une réédition CD en 1995), mais on notera leur remarquable similitude en matière d'aptitudes vocales…

J'évoquais la dernière fois un morceau qui suscitait ce curieux sentiment d'attraction-répulsion. Les choses ne sont pas très différentes pour celui-ci, bien que dans un tout autre genre. Je ferai abstraction de l'image de marque de Lara Fabian, associée à la caste de ces chanteuses-à-voix qui achèvent invariablement leurs chansons-guimauve en hurlements destinés à montrer la puissance de leur organe. Cette image, elle la mérite bien un peu, par ses choix musicaux, mais il est injuste de s'en arrêter là. Prenez cet extrait. Mistral Gagant, c'est de la petite émotion, pas du "Je t'aime" gueulé à tout va : comment Lara Fabian va-t-elle s'en sortir ? Pas trop mal, en fait. C'est sûr, la chanteuse et ses musiciens ne sont jamais très loin de la vulgarité : le piano martèle avec un manque criant de nuance et d'expression la magnifique ritournelle de Renaud ; Lara Fabian surjoue les sentiments, étale sans réelle justification toutes les possibilités de sa voix (ce que j'appelle "l'onanisme vocal"). Mais force est de reconnaître que la chanson de Renaud n'est pas défigurée, que l'émotion reste et que Lara Fabian a une voix magnifique qu'elle manipule magistralement. On ne peut que lui souhaiter de l'utiliser à meilleur escient, et pour cela d'être un peu mieux contrôlée et entourée (ce qui risque d'être le cas depuis qu'elle partage la vie de Jean-Félix Lalanne, guitariste au bon goût reconnu), et tout sera parfait.
[Du même album, je vous conseille d'écouter "Addio del passato", audacieuse tentative de faire passer de l'opéra à la sauce variétés. Et ma foi, assez concluante. Verdi va avec tout].

Être à la fois agacé et fasciné par quelqu'un, n'avez-vous jamais ressenti ce paradoxe ? Moi si, mais en l'occurrence l'objet de mon attraction-répulsion est un disque que j'ai découvert aujourd'hui. On peut y entendre deux œuvres de Dvorak, compositeur tchèque de la fin du dix-neuvième siècle, dont j'aime la musique pour le sentiment mêlé de nostalgie et de bonheur fulgurant et étourdissant qu'elle éveille en moi.
Le disque en question propose deux quintettes "avec piano" (pourquoi ne cite-t-on qu'un instrument sur les cinq, se demanderont les plus curieux et ignorants d'entre vous : parce que les autres instruments sont les instruments "par défaut" de toute formation de chambre, à savoir deux violons, un alto et un violoncelle ; toute variation par rapport à cette formation "par défaut" sera généralement précisée dans l'intitulé). Le premier est célèbre, et c'est celui dont je vous propose un extrait. Le second, je l'ai découvert dans ce disque, et il confirme que, définitivement et éternellement, j'aime Dvorak.
Alors pourquoi ce sentiment ambivalent à l'égard de ce disque, comme je l'évoquais plus haut ? Parce que l'interprétation me paraît sans unité ; on y trouve des sautes de tempo d'une mesure à l'autre sans justification particulière, chaque instrument joue individuellement, sans souci de former un son d'ensemble. Le piano, lorsqu'il prend la parole, presse les phrases ; quand il joue avec les autres, les égrène dans un staccato baroque et donc anachronique. Parfois, les instruments semblent jouer à la course. La hauteur des cordes est par moment très imprécise, à la limite de jouer faux, ce qui ne manque pas de heurter les oreilles quand elles viennent se frotter à un piano qui est, par essence, toujours juste.
Et pourtant, une certaine jubilation ressort de tout cela. Cette façon à la limite du baroque d'aborder un répertoire éminemment romantique fait par moments de fascinantes étincelles. Le côté extrêmement percussif de tous les instruments, leur précision rythmique (je ne parle pas du tempo, qui est terriblement lâche, mais de la précision rythmique au sein de la mesure), l'énergie qu'ils investissent dans chaque note, forment un mélange explosif. Je vous propose d'en écouter le point culminant, qui comporte les défauts que j'ai décrits, mais où ressortent surtout ces qualités.

Récent mais fier propriétaire d'un baladeur audionumérique de marque californienne (un iPod, pour les lents à la détente), je dois à ce petit objet (si sensible aux rayures) la découverte de l'extrait que je vais présenter ici.
J'avoue être un acheteur impulsif (en plus d'un emprunteur frénétique et d'un téléchargeur irréfléchi). Le disque dont est extrait ce passage était parti se ranger dans mes rayons, sans que je l'eusse véritablement écouté, probablement déçu par la première plage, ou détourné par des préoccupations autrement plus importantes (genre l'eau des pâtes qui déborde sur les plaques chauffantes) alors qu'il tournait pour la première fois dans mon lecteur CD. Un jour, il s'est trouvé transféré sur mon iPod video 60 giga-octets, sans que je m'en aperçoive vraiment : une goutte parmi les 9000 morceaux qui ont connu la même destination.
Quelques semaines plus tard, afin d'égayer une petite marche à pied fort longue en une journée d'hiver fort courte le long d'un canal fort déprimant (le Canal du Midi, construit par Pierre-Paul Riquet au dix-septième siècle, qui peut en d'autres saisons constituer un cadre de promenade paradisiaque), je fis le choix presque aléatoire d'écouter un duo piano-violon de Schubert.
Et franchement, je me demande comment j'ai pu rater cette sublime fantaisie. Ce que vous propose d'écouter n'en est que l'introduction. Un teaser, en quelque sorte. Si vous commencez juste à aborder la musique "classique", rappelez-vous de chaque détail car ils sont typiques du compositeur. La suite, que vous découvrirez vous-mêmes je l'espère, réserve d'autres surprises (car le propre d'une Fantaisie est de laisser libre court à un vagabondage musical parmi différents thèmes et climats). Je signalerai juste au passage que la troisième partie de cette fantaisie reprend un magnifique lied (une chanson, en termes plus simples) du même compositeur, pour le décliner en variations.
Note : pour admirer l'étendue de la palette schubertienne, autant que l'homogénéité de sa plume, vous pouvez écouter une autre fantaisie de son cru, cette fois réservée à deux pianos, beaucoup plus sombre dans ses idées, et pour cette raison classée dans la rubrique "La vie est un abîme sans fond".

Voici, en guise de vœux pour le nouvel an, cinquante petites secondes de magie. On les doit au jeune Schubert, qui avait négligemment laissé traîner ce ländler en un endroit fort difficile à débusquer, puisque cette pièce n'a été retrouvée que récemment. Pensez à ce dont se sont privés vos ancêtres pendant deux siècles, et savourez donc l'idée d'être là en 2006.